Portraits de Cézanne

1. Paul Cézanne (1839-1906)
Portrait du fils de l’artiste, 1881-1882
Huile sur toile - 38 × 38 cm
Paris, Musée de l’Orangerie
Photo : Musée de l’Orangerie

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«Comme une pomme». C’est la manière dont un modèle doit se tenir devant Cézanne pour que le maître réalise son portrait. C’est pour cette raison que celui d’Ambroise Vollard ne fut jamais terminé [1]... Cézanne peignait-il ses portraits comme des natures mortes ? Ou l’inverse ? Car il avait aussi cette faculté de faire perdre aux fruits «tout caractère comestible, tant ils ont pris réalité de choses, tant leur présence têtue les rend indestructibles» affirmait Rilke [2]. Homme ou pomme, c’est la forme vivante qui intéresse le peintre et qu’il veut saisir, mobile, mais au repos. Pour ce faire, il demande à ses modèles non seulement de ne pas bouger, mais de ne jouer aucun rôle, n’esquisser aucun geste, aucune expression.

C’est le genre même du portrait qu’il remet en cause, puisque il ne semble pas vouloir transcrire une ressemblance physique, psychologique ni même sociale. Tel est l’un des principes du portrait moderne en peinture - que l’on retrouve chez Manet ou Degas - à une époque où la photographie se développe : l’individualité du modèle s’efface devant la personnalité de l’artiste, au point qu’on a reproché au maître de transformer son sujet en objet. Et pourtant, il affirme que « l’aboutissement de l’art, c’est la figure ». Loin de l’idéalisation ou du panache du portrait mondain, Cézanne s’affranchit des exigences du commanditaire en représentant ses proches (ill. 1), en se représentant lui-même, ou encore en choisissant les ouvriers et les paysans de son entourage qui restent anonymes sur la toile.

2. Paul Cézanne (1839-1906)
L’Homme au bonnet de coton.
L’Oncle Dominique, vers 1866
Huile sur toile - 79,7 × 64,1 cm
New York, The Metropolitan Museum of Art
Photo : Metropolitan Museum of Art

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Le Musée…